Programa de Radio: NASTI DE PLASTI
Dirigido por: Patricio Otero
Fecha: 12-11-03

“ Popular” es quizá el adjetivo que mejor defina al acordeón. Un instrumento que está viviendo su época dorada, precisamente lejos del ámbito popular, gracias a geniales compositores del siglo XX que le han escrito fascinantes capítulos que protagonizar. Esto no sería suficiente para hablar de auge, si no fuera por el trabajo intensivo de los nuevos jóvenes intérpretes que continúan buscándole las cosquillas al acordeón. Y aquí es donde aparece Iñaki Alberdi ( Irún, 1973), excelente intérprete y difusor de las nuevas tendencias a los botones. El aerófono que le acompaña tiene aproximadamente la misma gama cromática que un piano, y amplía notoriamente sus posibilidades con respecto al instrumento popular, gracias a la evolución técnica que ha sufrido. La capacidad expresiva del fuelle hace el resto.

Si escuchamos el instrumento en manos de Iñaki, descubrimos que nos encontramos ante un púgil muy bien preparado. Cuenta con un lucido currículum repleto de colaboraciones con algunos de los compositores más relevantes del momento, y un amplio y variado repertorio, que hacen de él un músico versátil y atrayente.

En el disco Colección de Jóvenes Intérpretes nº 8: Iñigo Aizpiolea & Iñaki Alberdi ( JM, 2001) interpreta junto a su colega algunas obras que engrandecen al acordeón como “ Itzal” de Jesús Torres y saca brillo al acordeón tecleando a dúo “ Petrouchka” de Stravinsky.
¿ Sienten ya el vibratto en su corazón?

¿ La evolución del acordeón pasa obligatoriamente por la música contemporánea?

En gran medida sí. Es un instrumento que apenas tiene unos 50 años en su forma actual, aunque cumple 175 años de historia. Su evolución ha permitido que con el tiempo algunos de los compositores más importantes escribieran para el acordeón. Como cualquier otro instrumento, su época de mayor difusión es aquella en la que se comienza escribir música original para él. En este caso se ha visto muy beneficiado por las colaboraciones del mundo de la música actual ( siglos XX y XXI), como Luciano Berio, Magnus Lindberg, György Ligeti, Toshio Hosokawa o Franco Donatoni. Estos compositores han puesto mucho de su parte para que se diera a conocer el acordeón. Cuando alguien así escribe, la repercusión que tiene en la programación actual es mucho mayor.

Al tratarse de obras actuales, debes sentir la emoción de estar participando de una música que está diseñando las futuras sendas los músicos venideros.

Participas más activamente que quien interpreta una música, que aun siendo de un gran compositor, ya está definida, dicha y requetegrabada hace... 50 años y puede que escrita hace 250. De esta forma te sientes más activo, eres una vertiente más. Afortunadamente, tanto en España como internacionalmente, hoy en día somos muchos los que participamos en ello.

Pero sigue siendo una música minoritaria. ¿Verdad?

En esto de la música existen muchas divisiones, futbolísticamente hablando. No todos participamos de la gloria y la fama de la música clásica, de la ópera o de los grandes divos y divas. Pero la música contemporánea permite sentirse beneficiado en todos los aspectos. La cuestión está en encontrarse en el momento y el lugar adecuados a la hora de interpretarla.

¿ Está reñida con el gusto popular?

No necesariamente. Yo conozco gente que le gusta mucho la música profana y antigua, y también la contemporánea; sin embargo no le gusta la música del siglo XVIII o XIX.

Así que sobre gustos...

Efectivamente. Por supuesto que el gran público se engloba en otro tipo de repertorio. En este caso, el folklore es la raíz del acordeón, y esto es algo que no debemos olvidar. Gran parte del poder de captación que tiene viene de la música folklórica.

Precisamente en el País Vasco la trikitixa goza de gran prestigio.

En parte hemos perdido un terreno importante respecto a la trikitixa por mostrar solamente la faceta clásica del instrumento. Y es una pena, porque evidentemente aquello que se hace con la trikitixa se puede hacer también con este acordeón. La diferencia estriba en que con el acordeón podemos ir más lejos.

Vivimos en un mundo en el que todo tiene que estar en los medios de comunicación, tener una amplia repercusión, porque si no parece que no estás ahí. Es una cuestión de modas. Las cualidades del instrumento están ahí, así que tiempo al tiempo. Si observamos, por ejemplo, la guitarra, en cien años de historia que tomemos, seguro que ha habido momentos pletóricos, momentos malos y de reanimación. En el folklore quizás ahora necesitemos un reajuste las capacidades técnicas del acordeón.

¿ Cómo se explica que en el País Vasco haya un movimiento tan fuerte en torno a la música contemporánea?

Por una parte ha habido grandes compositores como Luis de Pablo o Carmelo Bernaola
( Miembros de la Generación del 51) que han nacido aquí, aunque luego hicieran carrera en otros lugares, y han creado un nexo con las nuevas generaciones. Además, siempre que han podido han apoyado a los nuevos creadores del País Vasco y resto de España.

Por otro lado está la ayuda institucional. En este momento existen ayudas a la creación en el País Vasco, y esto ayuda muchísimo a que los compositores puedan trabajar en unas condiciones dignas. Por último, nos hemos juntado una generación de intérpretes jóvenes que estamos en pro de la música actual. Esto es algo común a toda España.

Una referencia importante es el Laboratorio de Música Electroacústica del Conservatorio Superior “ Jesús Guridi”.

En Vitoria Carmelo Bernaola empujó muchísimo la música actual. Una de las cosas que ayudó a que esto saliera adelante fue la creación del Laboratorio de Música Electroacústica.

Además de tocar el acordeón, también juegas con este tipo de sonidos ¿ verdad?

Claro. El acordeón tiene un espectro sonoro amplísimo y esto para la música electroacústica es genial. La fusión que puedes conseguir con todo tipo de tímbricas y tesituras es impresionante.
En la obra de Maite Aurrekoetxea “ Bersakada Batekin” ( obra para acordeón y cinta) todo lo que suena son sonidos del acordeón. Casi siempre es así.

¿ Sólo suena acordeón?

Sí. Normalmente lo que se hace es grabar sonidos del acordeón, se procesan y se tratan en el ordenador. Esto es lo que va a servir de diálogo a lo que el solista interprete en el momento, y también está escrito. De alguna manera es un dúo entre una cinta grabada y el solista. Cuando esto se hace bien no se distingue qué es lo que está ocurriendo en el momento y qué está grabado. El proceso también se puede hacer en tiempo real, por ejemplo, un instrumento da un sonido y se proyecta a toda la sala a través de la amplificación, procesado y tratado en el mismo momento.

Parece que la música contemporánea está buscando nuevos caminos de exploración.

Sí, siempre los está buscando, pero creo también que ha tocado techo. Se ha experimentado tanto durante el siglo pasado, que la buena música actual es aquella que sabe aprovechar todas esas investigaciones de una forma madura, combinándolas y aportando una visión personalizada a través del compositor y de su forma de expresión. Se ha conseguido un grado de madurez en torno a las nuevas creaciones muy interesante.

Cuando estás en el escenario y comienzas a tocar unas notas tan agudas como las de “Fragilissimo” ¿ No ves caras de desagrado entre el público?

Todo depende de dónde, cómo y cuándo lo hagas. Lógicamente si tocas ante un público especializado en música clásica no puedes tocar eso. Lo que sí puedes hacer es un programa clásico y dentro de él incluir una o dos obras actuales, simplemente para intentar aportar una visión nueva a la gente de lo que el instrumento puede llegar a hacer. En cuanto a los comentarios a este tipo de programas, los hay de todo tipo. Hay gente que te dice “ Qué lástima que has tocado esas dos obras”, y gente que opina “ “ Me ha agrado mucho escuchar estas dos obras, porque no pensaba que el acordeón podía llegar a sonar así”. Yo creo que compensa participar en dar ese tipo de cultura al público. La perspectiva del instrumento cambia completamente cuando escuchas algo que está escrito para el instrumento.

En la historia de la composición para acordeón parece ser que se llegó a pecar de efectista.

En los años 70 los compositores ven el acordeón una especie de diccionario de nuevos efectos. Para ellos es una fuente de inspiración constante, y emplean un lenguaje muy efectista. Lo cual no quiere decir que no se pueda enmarcar en un contexto clásico, pero el propio lenguaje era tremendamente efectista. Después, en los 90, con las aportaciones de Berio, Lindberg, Donatoni y muchos otros se ha conseguido una visión más madura de las posibilidades del acordeón.

Has viajado a Rusia y Finlandia para estudiar. ¿ Es importante salir al extranjero para cursar estudios?

A mí me ha servido para ver las cosas de fuera. Si te quedas aquí, y depende de con quién estudies, también puedes aprender muchísimo. Pero el hecho de salir, además de la parte más humana, te aporta otra perspectiva de tu país. Además, aquello que aprendes en países donde llevan muchos años trabajando la música actual siempre es aplicable después en tu vida cotidiana.

¿ Tienes composiciones propias?

No, yo ya tengo bastante con tocar. Como puedes comprobar, lo que toco es bastante sencillo (ríe). Hay gente capacitada para tocar, componer y dirigir; y todo lo hace fantásticamente bien. Bueno, pues yo no, yo toco y con eso me basta.

No le dedicas tiempo a la composición, de momento.

No, dedico tiempo a tocar y la pedagogía. Soy profesor en la Escuela Superior de Música de Catalunya y también en el Centro Superior de Música del País Vasco Musikene. Como profesor he descubierto cómo funciona la pedagogía en este país, algo a lo que antes era completamente ajeno. He visto que hay muchas carencias. Hoy en día un chaval lo tiene bastante difícil para llegar a tocar bien. Me refiero sobretodo a la enseñanza elemental y media. Parece ser que hay varios conservatorios superiores en España que están apostando fuerte por un plan de estudios muy completo para el alumnado, pero hasta que llegan ahí... Es la asignatura pendiente de los responsables. Tanto por el número de horas que se imparte a la semana, como el tipo de profesorado que se encuentran o los programas de estudio. Es bastante decadente lo que tenemos hoy en día entre manos.

¿ Has visto esas carencias en nuestra enseñanza al compararla con la de otros países europeos?

No quiero decir que allí sea todo perfecto, pero han ido aprendiendo, desde hace años, de los errores que han cometido, y aquí estamos empezando a hacerlo. Tenemos mucho trabajo por delante.

Lo ideal es que el alumno se beneficie de una escuela con capacidad organizativa, de manera que su enseñanza esté bien coordinada. Que no vaya estudiar armonía sobre un un tema “ x” por un lado, de contrapunto sobre otro tema “ x”, de cámara sobre otro tema, de su instrumento... Sino que todo complemente su enseñanza y aprendizaje: que la cámara complemente lo que está aprendiendo de forma individual, que la armonía complemente lo que está aprendiendo en el ámbito interpretativo. Para eso hace falta que el centro esté muy bien coordinado desde arriba; si no, termina siendo desmotivador para el alumno. A veces ocurre que estás estudiando asignaturas únicamente por cumplir créditos, y no complementan nada lo que estás haciendo o vayas a hacer.

¿ Qué hay de la formación Oiasso Novis en la que participas?

Nació en el 98. La idea ha sido trabajar tres instrumentos base, que son acordeón, percusiones y saxofones, más la electrónica. Desde este cuarteto se ha creado un taller de colaboración con compositores actuales. En estos años se habrán estrenado más de 20 o 30 obras. Esa formación es la base a la que se han ido sumando otros instrumentos en función de las obras que se fueran a estrenar.

En este proyecto trabajas codo con codo con Pascal Gaigne.

Como sabrás Pascal ahora tiene una proyección muy fuerte a través de la música para películas como Piedras o Silencio Roto...

En estas películas apareces tú también tocando el acordeón.

¿ Te gustaría volver a hacer música para cine?

¡ Sí, es muy divertido! Además es una gozada para trabajar: te llaman, te dicen lo que tienes que tocar y te citan para ir un día al estudio. Estás allí una mañana, o un día como mucho y ya está, ése es todo el trabajo. Luego ves el resultado con la imagen y te quedas alucinado con el director, el compositor, los actores...

En tu repertorio también incluyes obras de Piazzolla.

Sí, pero cada vez menos. Esto también es cuestión de modas. Ha habido una saturación de Astor Piazzolla. Independientemente de que escucho esta música y me encanta, terminé cansado de interpretarla. Estuve trabajando con un quinteto que se llama Tangoneando ( guitarra eléctrica, piano, contrabajo, violín y acordeón). Lo pasamos genial.

Termina el disco de Juventudes Musicales con “ Petrouchka” de Stravinsky. ¿ Quién hizo este arreglo que interpretáis a dúo Iñigo Aizpiolea y tú?

Este es un arreglo para dos acordeones de James Crabb ( Irlanda) y Geir Draugsvoll ( Noruega), que son dos intérpretes que viven en Dinamarca. Básicamente es igual que la pieza original. Lo que ocurre, es que en el acordeón la capacidad melódica de ambas manos depende de un solo fuelle, por eso en este arreglo se intercambian los papeles de los intérpretes, para que aquél que lleva la melodía no tenga que estar sujeto al ritmo en la mano izquierda. Se ha intentado compensar el balance para dos instrumentos aerófonos con fuelle, que tienen otra manera de expresar. Esta obra es muy popular, es una maravilla.

A ver cuándo tenemos oportunidad de verte actuar con semejante acordeón.
No es tan grande como se oye.

En la portada del disco te tapa casi medio cuerpo.
Pero eso creo que es un efecto ( risas).